Solitude

CD - Creative Sources Recordings – CS884, Lisbon 2026

1. I - 04'50''

2. II - 02'51''

3. III - 02'42''

4. IV - 07'15''

5. V - 02'13''

6. VI - 03'24''

7. VII - 01'10''

8. VIII - 03'20''

9. IX - 02'05''

10. X - 01'57''

11. XI - 01'59''

12. XII - 00'45''

Gerhard Uebele - Violin, Voice

Ernesto Rodrigues - Viola, Voice

Guilherme Rodrigues - Cello, Voice

Recorded October 2024, Berlin

Cover design Inês Ferreira

https://ernestorodrigues.bandcamp.com/album/solitude

Reviews

Trio violon, alto, violoncelle remarquablement contemporain, musique de chambre pour cordes idéale, moments de grâce et de communion sonore et musicale intense en mutations constantes et instantanées. Pour l’occasion, les trois musiciens Gerhard Uebele (violon), Ernesto Rodrigues (alto) et Guilherme Rodrigues (violoncelle et le fils du précédent) ont ajouté l’usage de leurs propres voix pour ce concert au Maeng Museum à Berlin. Je me répète à dire qu’un artiste comme Ernesto Rodrigues mérite amplement d’être programmé bien plus qu’il ne l’est actuellement. Sa discographie qu’il partage souvent avec son fils Guilherme, lui-même un artiste de premier ordre, et un grand nombre d’excellents artistes tant portugais qu’internationaux, est devenue exponentielle parmi le catalogue de son propre label Creative Sources, une étiquette qui rassemble quasiment 900 CD’s produits depuis l’an 2000. Il suffit de parcourir au hasard les centaines d’enregistrements qu’il a suscité ou auxquels il participe pour réaliser qu’Ernesto et Guilherme sont devenus au fil des ans des artistes incontournables qu’ils se produisent avec des « notoriétés » aussi diverses que Gunther Sommer, Alex von Schlippenbach, Carlos Zingaro, Frank Gratkowski, Floros Floridis, Axel Dörner, Fred Lonberg-Holm, Erhard Hirt etc… qu’avec leurs camarades portugais et internationaux parmi lesquels on peut noter un nombre considérable d’artistes très peu connus comme ce violoniste Gerhard Uebele. Aussi, Ernesto a fédéré un nombre exponentiel d’improvisatrices / improvisateurs portugais dans une véritable galaxie de groupes du trio au grand orchestre en passant par des moyennes formations permanentes tout en travaillant avec son fils Guilherme dès le début de son adolescence. Gerhard Uebele a déjà travaillé et enregistré avec les Rodrigues depuis de nombreuses années. C'est un excellent violoniste. À trois, ils forment un superbe trio de cordes animé par une empathie remarquable et une entente qui magnifie cette intimité sonore spécifique qui est au centre du travail musical entre instrumentistes de la famille des violons.

Douze courtes improvisations truffées de glissandi, de croisements de sonorités tissées avec une grande précision comme il se doit dans la musique contemporaine, mais avec un goût ludique et des surprises élégantes dans une belle variété de formes. Étonnamment, leurs voix parlées se mêlent aux mouvements des cordes dans certains morceaux. La conjonction du traitement expressif du jeu à l'archet frotté de chacun des trois comparses crée de magnifiques interférences sonores, des dissonnances rafinées, une irisation mouvante des timbres, un chatoiement irréel de couleurs, de clair - obscurs, d'harmonies étirées et célestes. À chaque morceau, l'inspiration se renouvelle fruit de l'écoute mutuelle ou d'actions imprévisibles col legno, grincements au fil du rasoir ou mouvements lents qui tournoient vers un crépuscule imaginaire. On n'hésite pas à se métamorphoser toutes les dix secondes entre coups d'archet rageurs, de contorsions soniques ou effets languissants ou miroitements tuilés, compressions de fréquences qui évoquent des miaulements stylisés et suraigus délicats et volatiles. L'auditeur percevra toute la gamme des émotions issues du travail effréné et sinueux des cordes dans un éventail infini d'expressions multiples, convergentes ou centrifuges... Les trios ou quartets d'improvisations contemporaines à cordes ne sont pas légion et celui-ci tient son rang parmi les plus remarquables de cett scène internationale ( String Trio de Kimmig- Zimmerlin - Studer, Stellari Quartet de Wachsmann, Hug, Mattos et Edwards ou ce rare Quatuor D'Occasion canadien de Malcolm Goldstein, Josh Zubot, Jean René et Émilie Girard-Charest. À découvrir absolument. Jean-Michel Van Schouwburg (Orynx)

Something ancient listens within us. The light has forgotten its name but will remain.

 CD - Creative Sources Recordings – CS882, Lisbon 2026

1. The Age of Inner Turmoil. Fragments of Being. - 36'40''

SUSPENSÃO

Ernesto Rodrigues - Viola 

Hernâni Faustino - Double Bass

Flak - Electric Guitar

André Hencleeday - Piano

Nuno Torres - Alto Saxophone

Tiago Varela - Melodica

Carlos Santos - Electronics

Monsieur Trinité - Percussion

Recorded December 2025, Lisbon

Cover design Carlos Santos

https://ernestorodrigues.bandcamp.com/album/something-ancient-listens-within-us-the-light-has-forgotten-its-name-but-will-remain

Reviews

Then to close the year here — a difficult year for many creative musicians, I think it's fair to observe... — I want to take up another new album from Ernesto Rodrigues: The latest (with changes in personnel over the years) from an ensemble that first recorded Suspensão in 2010 (as it happens, a few months before I began this project...), Something ancient listens within us. The light has forgotten its name but will remain. was recorded earlier this month at CreativeFest XIX, its single track also carrying a two-part title, The Age of Inner Turmoil. Fragments of Being.. And although I've generally eschewed solos & duos in this space for (more "social") trios & quartets, I've also often avoided the larger groups as well, meaning I haven't necessarily noted every Suspensão album, but I do want to note now what seems to be a particularly personal response from Rodrigues in this latest volume. So after double album Suspensão, I did note at the time the second album here, Jadis la pluie était bleue (from 2015), and then e.g. Physis (in August 2018, describing its "eerie desire to interrogate the basic contours of reality, especially the equivocation of foreground & background"), followed by Rayon Blanc & Sfumato in 2019 & 2020, most recently noting Impromptu (in June 2023), but not yet what had been the ensemble's newest recordings, Teufelmuzik & Frottage (both recorded May 2023). And the latter two do include Nuno Torres, Carlos Santos & Flak from this latest release — the fourteenth Suspensão issue on Ernesto Rodrigues' Bandcamp, although early releases also numbered multiple tracks individually & cumulatively (while the latest continues the more recent norm of a single track release) — the first two involved already from the first release (also an octet, but numbers have varied over the years from six to twelve...) — with Monsieur Trinité e.g. participating as well on Caesium from Isotope Ensemble, the most recent large ensemble release from Rodrigues (there a 16-tet, from last year's CreativeFest). Hernâni Faustino & André Hencleeday have also appeared on previous Suspensão albums, although (rounding out the current octet) Tiago Varela seems to be new to the formation — while having first appeared here (also with Rodrigues) for Genius Loci (reviewed in April), indeed all seven of the members having recorded already with Rodrigues this past year (& been referenced in this space for it!). So this is a relatively close group of associates, although one could certainly name others who've recorded more albums with Rodrigues.... But this impression of closeness, of a particularly personal response, is also illustrated in an accompanying photo with the musicians performing while clustered closely. Then there's a briefly tentative musical opening, some feelings of welcome, the forging of an interactive space... and into more ominous inputs, including quasi-industrial or naturalistic-chirping, an almost carnivalesque changing of tone & timbre across a sometimes gloomy landscape. There's also a sense of continuity, of narrativity per se (perhaps per the previous entry...), an articulation of collective (& personal) feeling, continuity per se being in some real sense continuing to live, continuing to find a path, ultimately continuing to interact. A sense of transition (recalling e.g. Anthony Braxton's ZIM?) thus dominates Something ancient listens within us... but within a perspective of continuity, i.e. of human choice & expression.... So while I've previously associated Suspensão more with naturalistic depictions, per especially Porto Covo (noted here in March 2017), and naturistic evocations do recur frequently across Rodrigues' work, I cannot now help but hear this typically-octet expression as more "personal" per se. And (spectral) harmonies & their transitions are indeed handled with sophistication & (often tight) familiarity, maintaining always some kinds of connection (of suspended voicings, one might say...), not so much around background equivocation here, but as a less noticed line now ready to offer another choice.... And some passages do come off more assertively, but there're certainly no final answers, as in life, so we go on.... So does the album title offer continuity, following the track title offering fragmentation? There's perhaps a continuity of spirit specifically implied here as well, a continuity across humanity (& beyond, well beyond...), continuity now also turning against itself in sickness. And I do believe that we're all seeing now that this sickness is not only in our "environment," but also in ourselves, for we are permeable creatures. Todd McComb's Jazz Thoughts

Dots and Dashes

 CD - Creative Sources Recordings - CS881, Lisbon 2026

1. Dots and Dashes - 22'30''

2. Teleies kai pávles  - 18'15''

3. CΤελείες και Παύλες - 06'00''

Floros Floridis - Clarinet, Bass Clarinet

Ernesto Rodrigues - Viola, Crackle Box

Guilherme Rodrigues - Cello

Michael Vorfeld - Percussion

Recorded October 2025, Berlin

Cover design Carlos Santos

https://ernestorodrigues.bandcamp.com/album/dots-and-dashes

Reviews

Returning again to Creative Sources, and another reprise, Dots and Dashes (recorded in Berlin, also in October) finds Greek clarinetist Floros Floridis in another quartet with Ernesto & Guilherme Rodrigues, now joined by Michael Vorfeld on percussion — following Xafnikes synantiseis (recorded in 2024 & referenced here that April), a quartet instead with Ulf Mengersen on bass (i.e. more per Ernesto's Lisbon String Trio formations...). As had Crossing the Floor (recorded four days earlier), Dots and Dashes then presents a more sophisticated interaction, i.e. building on ideas from the previous date, likewise relatively sparse & simmering music. But in replacing a more legato bass with often quiet & pointillistic percussion, Dots and Dashes also opts for a relatively more open texture, and correspondingly, senses of time. It can thus recall the quintet album La rambarde des songes... (with synthesizer, pace "crackle box" here — i.e. still not quite acoustic, per the previous entry as well...) from earlier this year, the voice there serving as a distinct (yet quiet) focus, versus more around clarinet & then bass clarinet for this quartet — indeed Floridis usually seeming centered (including by higher pitches from e.g. viola), his extended continuity in shaded spectral lines often seeming accented or intertwined by others.... Dots and Dashes is then another album that rewards concentrated listening with subtle textures & twisting continuities, latent evocations suggesting perhaps distant or otherwise difficult methods of communication... almost a study in expression per se (i.e. meta-expression) on first impression. Dots and Dashes also continues relations that seem to derive more from Guilherme Rodrigues than from Ernesto (although the latter does seem very at home here...), Floridis himself first appearing in this space with electro-acoustic quartet album Fields (reviewed here March 2024), and Vorfeld most recently with trio Flight Rvw2349 (reviewed September 2023). So senses of space & distance & subtle voicings can dominate impressions of Dots and Dashes, sinewy & shading continuities (per e.g. timeless floating of La rambarde des songes...), extended senses of personal expression (i.e. narrative-like...), occasionally more assertive. Subtle (e.g. chiming or tinkling, bent) metal also opens the second & third tracks, Vorfeld only occasionally coming to the fore (including e.g. briefly with hand drums accompanying a jungle-esque clarinet...), senses of pointillism propagated instead (already) through the ensemble (& even to the clarinet, in pops), senses of code.... Sometimes Dots and Dashes can be more lively, but also (& always) leaves me listening to the environment (& even a little confused about some common sounds...), thus suggesting senses of transformation, transformation through distended lines & continuities... perhaps constituting a kind of post-Cage meta-expressionism (i.e. pace bodily continuity beneath personality or emotion per se). Or one could simply call it a sophisticated, contemporary take on the post-jazz clarinet trio (i.e. with viola & cello combined for bass...), featuring masterful yet understated execution from Floridis et al. Todd McComb's Jazz Thoughts

Un enregistrement au Kuhlpot Social Club de Berlin en bonne compagnie l’année dernière. Je n’aurai de cesse de commenter autant que se peut les aventures de l’altiste Ernesto Rodrigues tant notre homme, le cerveau derrière les opérations du label Creative Sources (plus de 860 Cd’s au compteur !), ne soit convié sur les scènes auxquelles son extraordinaire talent le destine. En compagnie de son fils, le violoncelliste Guilherme Rodrigues, ils ont tous deux incarné l’avant-garde pointue du réductionnisme dans las années 2000-2010 tout en évoluant vers une musique de chambre exploratoire, raffinée et résolument contemporaine, subtile et miroitante. Ce qui est exemplaire ici, et finalement très intéressant, est qu’un clarinettiste méditerranéen et lyrique à souhait comme le grec Floros Floridis dialogue ici avec la paire des Rodrigues. Floros Floridis est un superbe clarinettiste et saxophoniste actif dans des contextes plus « free-jazz » comme on a pu l’entendre aux côtés de Gunther Sommer, Peter Kowald, Louis Moholo, Andrew Cyrille, ou le joueur de lyra Ilya Papadopoulos etc… mais aussi avec Paul Lytton dans les années 80. Ces rencontres d’artistes aux parcours et backgrounds différents sont en fait une ouverture et requièrent sensibilité, savoir-faire et intuition pour improviser collectivement et créer ce territoire commun qui met en valeur la musicalité intrinsèque de chacun au-delà des « écoles » et des idées toutes faites.

Pour bonne mesure, le chercheur de sons et percussionniste allemand Michael Vorfeld complète l’équipée pour colorer et commenter adroitement cette triade boisée. J’avais déjà bien apprécié le travail de Vorfeld en duo avec son compatriote Wolfgang Schliemann, autre percussionniste de choix ou le platiniste Von Bebber ou en trio avec un autre percussionniste, Burkhard Beins et le saxophoniste Dirk Marwedel. Il s’agit donc d’un musicien « pointu » d’un point de vue radical.

Alors, je m’émerveille de cette musique de chambre à la fois concertée et dérivante, faite d’ombres et de lueurs, introvertie autant qu’expressive. La gémellité des deux cordes aux mains des Rodrigues et leur sens du tissage moiré, de frottements en crescendo étirés, en phase avec le timbre boisé de la clarinette et des spirales en clair obscur ou des coups de bec dignes d’un pivert dans les ramures. Je n’insisterai jamais assez sur le sens aiguisé de la dynamique de leur musique, des nuances infinies et une belle inventivité dans les formes mouvantes. Cette convivialité subtile est souvent placée dans une autre perspective lorsque s’étalent par instants choisis les vibrations métalliques de l’instrumentarium de Vorfeld ou ses frictions crépitantes souterraines. J’avais déjà écouté et chroniqué un précédent recueil Creative Sources intitulé Xafnikes Synantiseis de Floridis/ E & G Rodrigues en compagnie du bassiste Ulf Mergensen, un opus aussi convaincant que ce Dots and Dashes. Ernesto et ses acolytes nous servent une musicalité toujours renouvelée au fil des très nombreuses parutions incluant vétérans au long cours (comme Floros Floridis) et d’excellents « jeunes » nouveaux venus et illustrant pour le meilleur la créativité collective de cette improvisation dite libre à son plus haut niveau. Fantastique ! Je ne m’en lasse pas tout en ayant l’embarras du choix. Jean-Michel Van Schouwburg (Orynx)

Digital Edition 2025

1. I - 13'10''

2. II - 16'29''

3. III - 25'35''

Ernesto Rodrigues - Violin

Guilherme Rodrigues - Cello

Mia Dyberg - Alto Saxophone

Vojta Drnek - Accordion

Kai Fagaschinski - Clarinet

Matthias Müller - Trombone

Klaus Kürvers - Double Bass

Richard Scott - Modular Synthesizer

Sofia Borges - Percussion

Recorded October 2024, Berlin

Photography Carlos Santos

https://ernestorodrigues.bandcamp.com/album/fabrica-de-lanificios

Reviews

The Berlin-based, pan-European Red List Ensemble is an experimental, free-improvising, and non-hierarchical collective, founded by Portuguese cellist Guilherme Rodrigues. The nine-musician ensemble's textural, electroacoustic approach focuses on music created through patient, methodical timbral research and spontaneous improvisation, blending acoustic and electronic voices through experimental and extended techniques.

Fabrica de Lanificios (Wool Factory in Portuguese) is the ensemble’s sophomore album, following Scope (Creative Sources, 2020). The ensemble features Guilherme Rodrigues, his father, Portuguese violinist Ernesto Rodrigues (who heads the Creative Sources label), and percussionist Sofia Borges, Czech accordionist Vojta Drnek, Danish alto sax player Mia Dyberg (who also took the cover photo), German clarinettist Kai Fagaschinski, trombonist Matthias Müller, and double bass player Klaus Kürvers, and British modular synth player Richard Scott. The album was recorded live at Petersburg Art Space (PAS) in Berlin in October 2024. 

The album offers three extended, untitled collective improvisations that highlight the organic, collective development of the music. The first piece evolves slowly out of sound-oriented timbral searches, patiently creating a rich musical universe of sparse and minimalist gestures that blend abstract and reductionist sound art with ideas drawn from contemporary music, free jazz, and free improvisation. The second piece builds on the dynamics forged in the previous piece, focusing on adventurous and bold sound collisions, with Scott’s modular synth sound acting as an agent provocateur throughout the complex, layered interplay. The last and longest piece adds more power and volume, encapsulating the ensemble’s intense dynamics into a cohesive, dramatic conclusion. It features a brief free jazz vein from Dyberg and Müller, subversive, reductionist undercurrents from Scott and Borges, Drnek’s twisted, folky melodies, and concludes with a surprisingly emotional, lyrical coda. Eyal Hareuveni (Percorsi Musicali)

Z berlińską formacją Red List Ensemble zetknęliśmy się na przełomie dekady, gdy ukazał się jej pierwszy album z bardzo czerwoną okładką. Za tym kolektywnie improwizującym większym składem kryje się, w aspekcie sprawczym, portugalski wiolonczelista Guilherme Rodrigues, od lat rezydujący w stolic Niemiec.

Do kolejnej inkarnacji RLE doszło … w Polsce, gdy rzeczony Portugalczyk był gościem-rezydentem piątej edycji Spontaneous Music Festival. Na scenie Dragona zebrano międzynarodową grupę muzyków, która po krótkiej instrukcji Guilherme (mamy się wszyscy bardzo uważnie słuchać) swobodnie improwizowała, a dokumentację fonograficzną tego zdarzenia można odnaleźć na jednej z płyt cyklu Spontaneous Live Series. Dodajmy, iż ostatecznie podmiot wykonawczy został w tym wypadku określony mianem Spontaneous Orchestra.

Na powrót pod nazwą Red List Ensemble formacja zaznaczyła swoją obecność na mapie improwizowanej Europy na początku minionego grudnia. Nagranie koncertowe zarejestrowano w Berlinie jesienią roku poprzedniego. Oczywiście i tym razem zestaw personalny jest inny, jakkolwiek, skoro koncert miał miejsce w mieście rodzinnym grupy, część muzyków doskonale pamięta i była elementem wykonawczym pierwszej płyty formacji.

Rejestracja koncertu zawiera trzy wielominutowe opowieści, z których każda kolejna jest dłuższa od poprzedniej, a wszystkie razem trwają niepełną godzinę zegarową. Na scenie dostrzegamy dziewięcioro muzyków wyposażonych w trzy instrumenty dęte, trzy strunowe, akordeon, syntezator modularny i perkusjonalia.

Otwarcie spektaklu jest dość typowe dla dużych składów, które pracują bez notyfikacji, tudzież wsparcia kierowniczego – strzępy dźwięków, elektroakustyczny szmer, filigranowe zgrzytanie strun, prychanie i nerwowe oddechy dętych. Wszystko to tworzy strugę fonii, która z oczywistych względów dość szybko nabiera masy własnej. W tym wypadku RLE potrzebuje około siedmiu-ośmiu minut, by stanąć na baczność i dąć w róg, ile fabryka dała. Ekspresja eskaluje, ale śmiało można skonstatować, iż wszystko znajduje się pod pełną kontrolą artystów. Dowodem zgrabnie uformowana koda, ugaszona niemal do pojedynczego dźwięku.

Druga opowieść na etapie początkowym wydaje się definitywnie kameralna, szyta długimi poścignięciami pędzla. Na czoło forsują się strunowce i akordeon. Muzyka faluje, efektownie podszczypywana przez instrumenty dęte i perkusjonalia. Te ostatnie chętnie przejmują na siebie obowiązek klejenia opowieści w bardziej linearny ciąg zdarzeń. Improwizacja ma tu kilka intrygujących momentów zwrotnych. Wspaniale łapie oniryczną ciszę, z której wyłania się mocą kreatywności każdego z artystów, a w okolicach dziesiątej minuty wspina na spore wzniesienie. Finał drugiej części jest bardzo reaktywny, skoczny, niemal radosny.

Ostatni akt spektaklu trwa prawie dwa kwadranse i efektownie konsumuje zdobycze artystyczne poprzednich części. Początek to plejada short-cuts wchodząca w permanentne interakcje. Muzycy nakręcają się wzajemnie, jak sprężyny wielkiego zegara. Stabilna intensywność zostaje osiągnięta już po kilku minutach. W dalszej części tej bogatej w wydarzenia odsłony koncertu natrafiamy na fazę ambientowego mroku, drobne ekscesy strunowo-talerzowe, niemal free jazzową eskalację, passus melodyjnego frazowania puzonu na tle rozdygotanego backgroundu, odrobinę narracyjnej flauty zawieszonej na akordeonowym dronie, wreszcie etap elektroakustycznych pulsacji. Po siedemnastej minucie flow zdaje się w końcu formować w coś bardziej linearnego i mającego wspólny dla wszystkich kierunek podróży. Znów warto podkreślić kreatywność i żywotność perkusjonalii. Samo zakończenie inauguruje seria powtórzeń, potem słyszymy dużo melodii, szczególnie klarnetu, która nastraja muzyków do bardzo łagodnego zakończenia koncertu. Andrzej Nowak (Trybuna Muzyki Spontanicznej)